El director alemán Wim Wenders es conocido por películas como PARÍS, TEXAS (1984), EL CIELO SOBRE BERLÍN (1987) o documentales como BUENA VISTA SOCIAL CLUB (1999) o PINA (2011), pero posiblemente no se sepa mucho sobre una obra compleja de ciencia-ficción y reflexión sobre la condición humana, titulada en alemán BIS ANS ENDE DER WELT (HASTA EL FIN DEL MUNDO), 1991, posiblemente el filme más personal de Wenders. No en vano la película está dedicada a la memoria de mi padre y hermano, para mi madre.

Se trata de la película más ambiciosa y quizás menos lograda del director alemán, o para darle una concesión, menos comprendida. La historia transcurre ocho años en el futuro, al final del año 1999, protagonizada por William Hurt, Sam Neill y una actriz que lamentablemente murió muy joven, la francesa Solveig Dommartin, quien era la pareja de Wenders y como suelen decir algunos, actriz fetiche del director alemán hasta ese momento. Aparecen también los legendarios Jeanne Moreau y Max von Sydow, así como varios célebres que aparecen de manera desapercibida como el músico Tom Waits.

Es la película más costosa de la filmografía de Wenders, caracterizado por la economía de sus producciones, el rodaje costó 23 millones de dólares y le tomó 14 años su realización, lo que se refleja en la duración de la cinta. Si bien cuando se lanzó en las salas de cine, el filme se editó para exhibirlo en tres horas, el director posteriormente lanzó otra versión de cinco horas para que se entendiera mejor. Aunque Wenders ha manifestado que la duración original es de 20 horas. Llamada la ultimate road movie (la definitiva película de carretera), fue filmada en 15 diferentes ciudades de cuatro continentes.

La indiscutible protagonista es Claire, interpretada por Solveig Dommartin, quien nos lleva de la mano, en un viaje personal, físico, filosófico, emocional, que la termina llevando a ella y por ende a nosotros, por diferentes escenarios, en la búsqueda no diría de la felicidad sino del equilibrio, de la tranquilidad. Quizás por ello la última escena la muestra como tripulante de la Estación Espacial Internacional. La falta de gravedad y de otras leyes naturales o humanas, permite al personaje personal que es a la vez Dante, Virgilio y Beatriz, alcanzar su personal paraíso, luego de atravesar los infiernos y purgatorios en la Tierra.

HASTA EL FIN DEL MUNDO, juega con todos sus significados, pues Claire está dispuesta a ir hasta el último rincón del planeta con el fin de encontrar la respuesta a sus interrogantes personales, como en efecto lo hace, al terminar su periplo en un punto perdido del desierto australiano. El fin del mundo se representa también, con la historia de un satélite nuclear que puede chocar con la Tierra y provocar el Apocalipsis, noticia que se va desarrollando, mientras los personajes viven sus particulares dramas. Pero también es el fin del tiempo, porque está terminando 1999 y se avecina un nuevo milenio con nuevas e inquietantes preguntas.

En cuanto a los avances tecnológicos que presenta y presiente, debe destacarse ese sistema de navegación satelital, que hoy es imprescindible (así en ocasiones sea innecesario) en los automóviles del mundo. De igual forma, se anticipa a las tabletas, portátiles y teléfonos celulares, pero más que a los artilugios, a la dependencia de los mensajes y la comunicación social que se da a través de estos aparatos. En la esencia, está la máquina de grabar y reproducir imágenes generadas en la mente y en la visión de las personas, desarrollada por un viejo científico con el fin que su anciana esposa ciega, pueda contemplar estas imágenes grabadas por el hijo en su viaje alrededor del mundo. En el fondo, se expone la relación o confrontación de la literatura (el escritor que sigue aferrado a su vieja máquina de escribir) y lo audiovisual con toda su parafernalia. Así mismo, los amores, conflictos y reconciliaciones entre parejas, padres e hijos.

Si la película no lo convence estimado lector, le recomiendo escuchar su banda sonora, con piezas memorables y gente como U2 (con un tema compuesto especialmente para la película titulado Until the end of the world), Peter Gabriel, Talking Heads, Julee Cruise con una bella versión de Summer Kisses Winter Tears, Lou Reed, R. E. M., Elvis Costello, ente otros. Para el amante de la buena música es imperdible, afortunadamente querido lector, puede encontrarlo en Youtube, de manera parcial, pero puede apreciar varias de las inolvidables melodías de esta película. Lo único que se lamenta es no haber incluido, al menos una de las canciones que interpretan los actores en el capítulo australiano, con Sam Neill tocando el piano. Aunque no me extrañaría que la banda sonora también tenga diversas versiones.

Es claro que la duración de la película no ayuda mucho para su calificación, confieso que tuve que verla en dos tandas, pues hoy por hoy, que alguien le dedique cinco horas a una sola obra cinematográfica, quizás solo se reserve para los clásicos que al menos tienen el intermedio para visitar la tienda de dulces. Además el ritmo pausado de algunas escenas, a pesar de lo vertiginoso del viaje de los protagonistas, pone a prueba la paciencia de los espectadores.

Sin embargo, la recomiendo, para un día en que no haya afanes ni compromisos, un día de esos de otoño invernal, como un domingo bogotano con pertinaz lluvia y cielo gris, en que no quiera salir del apartamento, resulta un buen plan de cinco horas. Repito si se cansa con la película, con la banda sonora tiene garantizada la compensación. Wim Wenders no solo tiene buen ojo para el cine, también un extraordinario oído musical.

A ratos en Twitter como @dixonmedellin.

Comentar este artículo

HASTA EL FIN DEL MUNDOes una película planetaria. No sólo porque sus imágenes desfilan a través de una docena de ciudades y países (de París a Moscú, de Berlín a Tokyo, pasando por Lisboa, América y Australia) amo también porque apunta hacia una representación simplificada y universal del mundo, como en la ciencia-ficción, pre o post cataclismo (ha ocurrido fuera de campo una explosión nuclear debida al fallo de un satélite indio).

Estamos en 1999: ése es el axioma del guión. El mundo está completamente digitalizado, reina la comunicación, con su equivalente-imagen: la transparencia. Los personajes tienen todas las posibilidades de encontrarse, de reunirse en las cuatro esquinas del mundo, manipulando tarjetas telefónicas con chip, ordenadores sofisticados, pantallas de transmisión que, junto a los teléfonos, envían en directo la imagen del interlocutor. Por lo tanto, jugar al escondite se convierte en algo impensable, todo el mundo ve a todo el mundo: ésa es la idea wendersiana del futuro. Si el verestá por todas partes, a nadie le resulta posible vivir escondido. En HASTA EL FIN DEL MUNDO, sólo dos personajes no tienen mirada. A Trevor (William Hurt) le duelen loa ojos de tanto utilizar una extraña cámara, que capta imágenes para un uso que en un principio no se entiende (ése es el misterio de la película). Además no ve nada, no quiere ver que Claire (la chica que le pisa los talones de ciudad en ciudad) le profesa sentimientos de amor. Ea el aspecto muerte en los talones de la primera parte de la película. El otro personaje que no ve es la madre de Trevor, ciega desde su infancia (sólo aparece en la segunda parte de la película). El guión edípico, que en un principio sólo es subyacente, acabará saliendo a la luz al cabo de una película de dos horas y media.

Esto no impide que esté en el centro de una película (es el tema de ésta) que supuestamente debe darnos cuenta de un estado de las cosas de un planeta futuro (después de todo, el año 2000 es para mañana).

Toda esa bonita chatarra futurista, esos decorados de ciencia-ficción bastante soft, esos viajes hasta el fin del mundo que parecen tan fáciles, aéreos, esos aparatos domesticados que radiografían o videografian de forma instantánea el campo de la mirada, dibujan el primer nivel de la película. Pero este aspecto, aunque ocupe casi la mitad de la película, sólo es superficial.

Lo que está realmente en juego se halla en otra parte. No es inocente que la heroína que encarna Solveig Dommartin se llame Claire Tourneur. Jacques Tourneur se hubiera sin duda reconocido en una película de serie B, modesta e inventiva, lúdica y visionaria, en suma artesanal.

Pero HASTA EL FIN DEL MUNDO no es una serie B. Para ser más exactos, lo es en toda la primera parte (en una versión demasiado lujosa), en la que Claire acosa a Trevor con su curiosidad amorosa y porque éste le quitó dinero que ella por su parte recibió de los que atracaron un banco en Niza y que la utilizan como pasadora. El guión funciona sobre este principio de encadenamiento. También están los sentimientos: Claire siente hacia Trevor una atracción que ya no siente hacia su antiguo compañero, escritor (Sam Neill). El mismo principio de encadenamiento: éste persigue a Claire, que también es seguida por Winter, el detective privado (Rudiger Vógler) que ella ha mandado tras la pista de Trevor. Una vez agotada esta carrera a través del mundo (con cada ciudad, un póster de imágenes: el de Lisboa está admirablemente filmado, el de Tokyo es bastante divertido, a pesar de un homenaje insistente a Ozu), la película cambia de tono, se olvida la serie B de lujo, y opera su viraje australiano. Entonces aparece el otro guión. Como si HASTA EL FIN DEL MUNDOhubiera empezado por querer contar la historia de un hombre que se pierde, que borra las pistas para impedir que Claire Tourneur y los demás perseguidores entren en su mundo; y al final de esta caza del hombre un tanto vana, la película se convirtiera en la historia bastante piadosa (el melodrama) de un hombre que reencuentra sus orígenes y se reconcilia con su familia.

El movimiento de la película reajusta su centro, después de esta primera parte a través de lo desconocido de las ciudades y de los signos, al rearraigarse en algún lugar de Australia, en pleno desierto, alrededor del trío familiar: el padre, la madre, el hijo. Este reajuste parece dejar pasmados a los otros personajes (detective, escritor celoso sin inspiración.. como si Wenders no supiera qué hacer con ellos. El auténtico guión wendersiano se vuelve entonces explícito: el del hijo que recorre el mundo (el famoso tema del vagabundeo), especie de puesta a prueba que encuentra su desenlace en el bucle familiar. Trevor no hace más que colmar el deseo de un padre visionario, encerrado en su idea fija. Lo cual consiste en una transmisión de imágenes que permitan por fin a la madre ciega (Jeanne Moreau) ver, percibir formas y colores, rostros de parientes desperdigados por el mundo, esas imágenes que Trevor ha filmado en las ciudades, con su curiosa cámara. Podemos decir esto de otra manera. Se trata para el hijo de ayudar (a la vez que se rebela) al padre a ver por fin a la mujer que le quiere y a la que ya no ve más que a través de un sueño loco de científico. No es el hecho de que la madre sea ciega el quid del problema, sino el que haya que alimentar el deseo del padre, el deseo maquinico de imágenes imposibles. Todo el guión anterior, aquella peregrinación hasta el fin del mundo no habrá sido para Trevor más que una búsqueda de imágenes que, una vez manipuladas por las máquinas del padre, entrarán en el cerebro de la madre para constituir el home movie soñado, devolviendo así la vista a una ciega y reuniendo a toda la santa familia. El tema wendersisno se sitúa aquí con su parte biográfica: padre, ¿no ves que filmo? parece decirle Trevor a su padre, encerrado en su ciencia, su sueño tecnológico e ilusorio.

Comentar este artículo

Entrevistas con Wenders

Comentar este artículo